El cine siempre ha estado imperado por la gran industria norteamericana, en este reportaje se dan las claves del paso al nuevo modelo de cine imperante, denominado, El Nuevo Hollywood. Directores como Scorsese, Spielberg, Francis Ford Coppola o George Lucas fueron los grandes contribuyentes de este fenómeno hollywoodiense.
El cine europeo y el gran salto de Hollywood
Vivimos en un momento concebido popularmente, en palabras de Eric Hobsbawm, como “el triunfo global de Estados Unidos y su modo de vida”. Otras opiniones, como la de Henry Kissinger que llega a afirmar que “la globalización es en realidad otra palabra para designar el papel dominante de Estados unidos”. Desde la década de los setenta, las decisiones financieras que se toman en una parte del mundo tienen efectos realmente rápidos en las otras partes. El banco comercial para la industria mediática, afirma que el de las comunicaciones ha sido el componente de crecimiento más rápido de la economía estadounidense.
Al ver el conflictivo relato resultante de una perspectiva histórica acerca del capitalismo, nos encontramos con que el balance del comercio y el imperante domino estadounidense no siempre ha sido así. En 1930, las ventas en el extranjero proporcionaban entre un tercio y la mitad de los ingresos de la industria cinematográfica. Cuando con los musicales, los estudios abrieron sucursales en los países clave y crearon versiones de los éxitos nacionales en lenguas extranjeras. En 1939, el departamento de comercio estimó que Hollywood suministraba el 65% de las películas que se exhibían en el mundo.
Hacia 1990, Estados Unidos suministraba ya, alrededor del 80% de la producción cinematográfica mundial.
Desde entonces, la industria cinematográfica de Estados Unidos ha ido creciendo internacionalmente porque ha comprendido que la protección de la propiedad intelectual forma parte de la infraestructura que une a las compañías y que, de otro modo, entrarían en competencia. Hacia 1990, Estados Unidos suministraba ya, alrededor del 80% de la producción cinematográfica mundial.
Hollywood, el desarrollo del cine norteamericano
En la primera década del siglo XX, empezaron a surgir de manera numerosa, pequeños estudios fílmicos, tanto en Europa como en América.
Como la evolución del cine de autor, nos transporta a un tipo de cine distinto,personal y comprometido con las creencias del autor. Pasada la segunda guerra mundial, el cine Hollywoodiense empezó a experimentar problemas. La sociedad americana, cambia su modo de vida y el sistema de Hollywood deja de funcionar.
Europa se rige por una cuota de pantalla, para luchar contra el mercado estadounidense
Al mismo tiempo, la Europa de posguerra empieza a blindar sus pantallas, ante el monopolio que ejerció EEUU antes de la 2º GM. Lo que hace Europa ante ese monopolio, es poner una cuota de pantalla a los cines de Europa (limitan el número de películas estadounidenses que se pueden ver, en relación con las visionadas nacionales). Esto ocasionó que muchas productoras no puedan afrontar la crisis del momento y caigan en la quiebra. Otras, optan por parar de producir hasta que la situación mejore. Y caso curioso el de algunos estudios como Columbia, que ni se enteró de que el panorama estaba sufriendo una crisis, debido a su producción modesta y moderada.
Estos factores, sumado a la acusación de monopolio de 1948, hicieron que los cimientos de Hollywood empezaran a tambalearse. Los tribunales empezaban a perseguir esta práctica, por lo que obligaron a los estudios a desprenderse de la exhibición.
Paramount y RKO acataron la sentencia desde el primer momento, mientras que Metro y otras intentaron dilatarlo, recurriendo la sentencia una y otra vez. Lo que es un golpe fuerte para la industria. Además de eso, unido a la posguerra llega la “caza de brujas”, el “MacCarthismo”. Hay una búsqueda de militantes comunistas.
El mercado de Hollywood cambia y la gran industria tiene que adaptarse
Nos encontramos con que Hollywood comprueba que, el mercado del ocio ha cambiado y Hollywood tiene que vivir una etapa de transición. La quiebra a la que se enfrentan hace que sean absorbidas por multinacionales.
Muchos profesionales tuvieron que trabajar bajo seudónimos debido a las presiones conservadores, como Dalton Trombo magnífico representante de ello. Los diez de Hollywood fueron diez profesionales del cine que pusieron en entre dicho al comité de actividades antiamericanas y su actividad, todos ellos acabaron en la cárcel durante un año. Estos momentos marcan al cine; muchos profesionales traicionan a sus compañeros, como Elia Kazan que delató a compañeros lo que lo dejó arrinconado en su grupo de trabajo. En 1999 le dieron el Oscar a la mejor carrera filmográfica.
Toda esta búsqueda del MacCarthismo pone su fin en 1960, con una película como símbolo de ello. Pues Otto Preminger con el film Éxodo, contrató a Trumbo para trabajar ya sin seudónimo. El film funcionó y puso fin al MacCarthismo.
Hollywood sigue viendo la tv como un gran enemigo, pero pronto se percata que, cine y tv tienen fines comunes y se alía con ella. Las productoras deciden reorientar sus películas, deciden hacer menos producciones pero más caras, con más espectacularidad. El miedo a que el cine fuera totalmente sustituido por la televisión, avivó el ingenio de las productoras buscando nuevas propuestas que atrajeran al público. Buscaron la espectacularidad de los filmes (películas a color, vistas panorámicas...), donde la televisión no podía competir. Películas como, Ben-Hur (1959) dirigida por William Wyler, con la productora Metro Goldwyd Mayer, fue un rotundo éxito gracias a la espectacularidad de la producción y sus escenas de riesgo. Este filme, como tantos otros, fue rodado en los estudios Italianos de Cinecittà.
Las influencias del Neorrealismo Italiano
Una búsqueda de naturalidad en las escenas que se consigue en actores no profesionales, iluminación natural y con un cine con una gran crítica social.
Esta tendencia de cine realista y menos espectacular llegó también a otros lugares Europeos, como Francia. Fue en Francia donde Cahiers Du Cinema, definió este cine como cine de autor frente al cine de productor americano.
Las dos grandes vías de negocio para el cine fueron, la venta de los derechos de las películas para la tv y la producción de seriales para la tv.
Fue Disney la primera en hacerlo, lo hizo a lo grande trabajando para una Network BBC en 1954. Se repite la historia con Warner, empieza a producir seriales basados en sus éxitos cinematográficos. Después Metro y Fox. A través de esas producciones, llegan a trabajar para la tv sus grandes profesionales como Hitchcock y Capra entre otros. Lo que otorgó mucho prestigio tanto a la tv como al cine y a los profesionales.
El cine comercial no se disipo tampoco en Europa, donde luchaban contra el colonialismo americano. Pronto encontraron fórmulas para contrarrestar el poder que Hollywood tenía con sus películas. Encontraron en el “Peplum” y en el “Western”, una baza para competir con Hollywood. Añadir que, fuera de Europa triunfó otro tipo de cine, los filmes de marciales imperante en Hong Kong.
En las décadas de 1960 y 1970 se formaron una serie de nuevos cineastas, que modificaron la noción de cine en Hollywood
Todos estos cambios que afectaban al cine, siguiendo los cambios en la sociedad, iban también a afectar al cine estadounidense. Así, en las décadas de 1960 y 1970 se formaron una serie de nuevos cineastas, que modificaron la noción de cine en Hollywood.
Todos estos directores tenían en común el dotar a sus filmes de una mirada íntima y personal, con marcas propias de cada autor, dejando de lado el cine comercial. John Cassavetes es considerado el pionero en esta rama del cine, que junto con Shirley Clarke, Barbara Loden, Paul Morrissey y otros levantaron el cine de autor en los años 60. Directores más actuales como Woody Allen, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola también han contribuido a este paso del cine americano. Muchos critican que estos últimos están más amparados en la industria, sin llegar a la marginalidad en la que se movió Cassavetes.
Otros nombres relevantes, más relacionados al cine comercial de los años 80 hasta ahora, pero hay que recordar que ambos, en sus inicios eran cineastas independientes con obras consideradas como excéntricas. El cine de los 70, se había vuelto oscuro, debido a los acontecimientos vividos en estas mismas fechas, como Watergate o Vietnam. Época marcada por tanto por cine negro, con películas como El padrino y Apocalypse Now. Las películas de entretenimiento estaban plagadas de catástrofes, agotando así, el género hasta la saciedad.
El gran negocio de Hollywood: el blockbuster
Otro autor se suma a la gran mercadotecnia que rodea a la filmografía de Hollywodiense. En, 1977, el director, guionista y productor George Lucas, con la película La guerra de las galaxias, abrió un nuevo camino a la explotación de las películas, en lo que a beneficios se refiere.
Las ganancias de George Lucas por 'Star Wars' fueron mucho mayores a los de los estudios Fox
Lucas y la Fox hicieron un trato, por el cual a la Fox le pertenecían los beneficios de la exhibición de la película, mientras Lucas lo haría por la mercadotecnia. Es decir, la Fox se llevaba íntegramente las ganancias que generara el filme, mientras que Lucas lo haría por los productos hechos a costa de la película y los contratos con las diferentes empresas que quisieran fabricarlos.
Al final, el resultado para Lucas fue mayor que el explotado por la Fox, por ello, los estudios abrieron los ojos ante el gran negocio que acababa de surgir.
Este concepto sigue vigente en la actualidad, y cobra mucha más fuerza si cabe. Si aún siguen sacando dinero con la explotación de mercadotecnia de La guerra de las galaxias, ni que decir tiene, del dinero que están ganando ahora con las producciones actuales. El caso más llamativo actualmente es el de Disney. Con una mercadotecnia y una distribución espectacular, sabiendo sacar provecho de los éxitos primero televisivos y de la gran pantalla después. Como por ejemplo High school musical, Hannah Montana o Camp Rock.
Algunas de las películas más explotadas fueron los filmes de Steven Spielberg, como Parque Jurásico(1993), En busca del arca perdida(1981). Otro explotado hasta la saciedad, incluso hasta ahora, ha sido Superman de Richard Donner.
Debido a esto, el cine se hizo más light, de peor fondo perdiendo así su calidad y su riqueza en los temas. El cine iba dirigido a los adolescentes, por ello, los filmes se volvieron menos profundos con el paso del tiempo. Sin desprestigiar el uso de grandes efectos especiales y un gran arsenal productivo.
Algo cambia llegando a 1980, el cine entra en la era del Postmodernismo. Las vanguardias estaban algo agotadas, hitos de este cine postmodernista serán películas como Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino.
Los cambios en Hollywood han repercutido a nivel mundial, en tanto en cuanto, a la forma de hacer cine. Esos cambios profundos que nos trae el cine de autor se ven reflejados hoy. Ya no vamos a ver cine porque el título de la película o incluso el cartel llame nuestra atención. Nos acercamos a los cines porque un director o un actor concreto estrenan película y la mayor parte de las veces, ese actor o ese director son norteamericanos.
Hollywood sigue predominada por las leyes del marketing, es un enorme negocio en el que, lo que vende, es una buena apuesta. Los grandes efectos especiales, las producciones millonarias y una promoción arrolladora arropan éstas producciones. La transposición de literatura (grandes bets seller) al mundo cinematográfico es el último grito en largometrajes. Un libro tras otro, está irrumpiendo en la gran pantalla.
